26 octubre 2023 - 14 enero 2024 · Casa de los Morlanes (Ayuntamiento de Zaragoza). 
 
  
La dirección en la que el desorden crece busca generar un punto de reflexión e intercambio en torno al arte, la ciencia, la tecnología y la sociedad actual. A partir de la idea de tiempo, se plantean una serie de interrogantes acerca de las diversas formas en las que los avances tecnológicos presentes y futuros crean un nuevo entorno -cada vez más diferente y complejo- en el que las fronteras entre lo real y lo virtual son cada vez más difusas.  
 
Nos encontramos en un tiempo donde la urgencia gráfica resulta sin duda anestesiante. La gran cantidad de información a la que nos encontramos sometidos hace que en nuestras vidas abunde lo secundario y parasitario sobre lo primario. Una información en la que prima la seducción, que extrae el significado del discurso y lo merma de su verdad; pues en la actualidad la seducción ha sido reducida a una estrategia mercantilizada y carente de profundidad.  
 
La obra Neûron de Carlos Sáez inicia la exposición, en ella el artista rompe el concepto tradicional entre el ser humano y la tecnología. Históricamente esta relación ha sido de confrontación, hoy en día ya no existe la división entre estos dos mundos antagónicos que han luchado por imponerse mutuamente, aquello que nace del mundo analógico lo percibimos a través del digital, puede ser post-producido en él y enviado de vuelta al mundo físico. El láser, elemento esencial en la obra de Sáez, actúa como metáfora de esta simbiosis, un rayo de luz que podemos ver, pero no tocar.  
 
Eugenio Ampudia presenta a continuación una biblioteca cuyos libros carecen de fuerza para expresarse y necesitan la ayuda de conmovedoras palabras. A veces, las palabras son demasiado específicas, o tal vez siempre lo han sido para el mundo, para el arte, pero especialmente para el momento presente. Siempre nos ha parecido inevitable explorar nuevos códigos y estrategias. 
En la sala cuatro, la obra post-window de Toplap reflexiona en torno a los conceptos de código y categoría, así como sobre su aplicación en modelos computacionales y sus posibles repercusiones. Post-window es un dispositivo de composición de alto nivel para Live Coding sonoro, que funciona traduciendo a sonido el texto que se ingresa en una ventana. La traducción se realiza utilizando una biblioteca de sentiment analysis (análisis de sentimientos). Esta analiza el texto escrito y le asocia una categoría dentro de un conjunto de estados afectivos.  
 
El trabajo de Momu & No Es gira en torno a la construcción de historias, hábitos y rutinas derivadas de su entorno inmediato. Al cuestionar los roles sociales y modificar las reglas establecidas, proponen otras alternativas posibles, utilizando la ficción y el ingenio para desarrollar una serie de historias, eventos y fábulas que se basan en la era post-Internet. Windshield junto con Windshield The Musical es una obra enteramente construida con imagen sintética y arranca tras el parabrisas de un coche que circula por una autopista. A partir de ahí, la concatenación de imágenes, vídeos, animación 3D y una banda sonora original, recrean un viaje mental que pretende generar un estado de contemplación y aceleración similar al que tenemos cuando consumimos imágenes en internet. 
 
En 1999 Zush-Evru comienza a desarrollar Tecura una aplicación interactiva de creación audiovisual online, basada en herramientas creadas por el artista, poniendo a disposición de los usuarios un banco de sonidos e imágenes con los que producir sus propias creaciones artísticas. De esta forma, Evru intenta descentralizar al autor en favor de una nueva democratización del arte. En 2008, desarrolló la versión 4.0 y la incorporó a la plataforma.  
 
En la sala ocho Ovidi Benet presenta su obra Destroy 21 con la que trata de provocar una escena que genera una historia entorno a la destrucción; el auge y la caída de un movimiento como “La ruta” a través de un objeto icónico, un elemento, una sensación lumínica, una atmósfera de ficción artificiosa que genera una escena completa. Escena que resume todas sus etapas e incluso la resurrección de estas a través de un imaginario actual reinterpretado; la destrucción es el fin de un ciclo para avanzar hacia otro.  
 
Cierra la exposición la artista Anna Moreno que centra su obra en el progreso social, la nostalgia y la imaginación del futuro. El baile, presente en algunas de las obras anteriores de Moreno, se convierte en el vehículo con el que se nos invita a imaginar una isla con varias entradas, salidas y pasadizos secretos; entornos por los que pueden circular cuerpos, colores y motivos. Flamenco y tecno se dan la mano en una pieza que yace sobre las ruinas de una breve instancia de libertad y experimentación, surgida al amparo de una incipiente industria turística que acabaría devorándose a sí misma. 
 
  
Comisariado: Antonio de Clemente y Rodrigo Ramos 
 
  
Artistas: Carlos Sáez, Eugenio Ampudia, Toplap, Momu & No Es, Evru, Ovidi Benet y Anna Moreno 
 
  
Organiza: Ayuntamiento de Zaragoza 

12 mayo - 3 julio 2022 · Casa de los Morlanes (Ayuntamiento de Zaragoza).

Feeling/Concealing habla sobre superficies y mediaciones. Filtros y pieles. Ciudades y cuevas.

La piel permite sentir algo real. Es aquello que entra en contacto directo con las cosas. El filtro por su parte interpone una barrera entre el objeto y el sujeto que conoce. La cultura es una forma de filtro, que cubre la superficie de la mayoría de los ambientes en los que nos desenvolvemos. El arte se posiciona frente a esta disyuntiva piel/filtro de forma ambivalente. Por un lado, en su ineludible objetividad, la obra aparece frente al espectador como una experiencia directa de lo real.

Por otro lado, podríamos preguntarnos si el arte en ocasiones adopta el carácter de mascarada, de telón o de camuflaje. Como producto cultural y objeto de una traducción del artista, el arte se mueve en el doble juego de la superficie: sentir o tapar (Feeling/Concealing). El intento de volver a una experiencia directa de lo real a través de lo no mediado, y la reflexión ante la propia naturaleza cultural del hecho artístico, serán las líneas conductoras de esta exposición.

Esther Gatón facilita (media) nuestro recorrido a través de la primera sala, introduciéndonos al problema que nos ocupa. La instalación Lo Crudo y Lo Cocido consta de siete fotografías en seda de organza sobre las que se erigen una serie de plataformas metálicas. Estas nos invitan a recorrer y contemplar las imágenes desde una distancia, como haríamos en una visita turística a un parque temático. Según describe la propia autora, “la instalación es una representación física del libro de Lévi-Strauss al que debe su título. Encarna no sólo la dialéctica entre naturaleza y cultura, o fondo y figura, sino la propia del arte y su exposición”. Las imágenes son composiciones digitales a partir de fotografías de archivo de cuevas, zonas pantanosas, detalles de cavernas, géiseres, túneles y suelo marciano.

El trabajo de Antonio Fernández Alvira, igualmente, reflexiona sobre la fragilidad y lo efímero de nuestro entorno arquitectónico, creando imágenes en las que recurre a lo escenográfico y a la estética de la simulación. La pieza perteneciente a la serie Lo fluido en lo fijado emplea el fraude visual y la teatralización, en un intento por revelar el carácter ficticio de algunas de las superficies que conforman nuestra escenografía cotidiana.

Jorge Isla continúa nuestro recorrido a través de las cristaleras y escaparates que cubren nuestras ciudades.

En concreto, nos enfrentamos a la desactivación de los mismos por medio de la extensión de una capa de Blanco de España que sigue al anuncio de la defunción de algún proyecto empresarial. El gesto inconsciente del albañil que participa en la reforma del local convierte al escaparate en un dispositivo pictórico opaco donde la superficie adquiere carácter de soporte.

En Anomalía Temporal III (charcos paralelos), Ángela Jiménez Durán busca explorar formas de pensar desde una lógica que sobrepase nuestra limitada experiencia vital. El charco como principio de diferencia o desnivel se presenta como un fenómeno que alberga una inmensa potencialidad para el cambio y para la vida. “Encontrar un charco en una cueva es un tesoro para un geólogo: en él se encuentran miles de minerales no fosilizados que contienen datos e información de hace millones de años.” De alguna manera, el charco se presenta así como una brecha en la superficie, que revela y nos da acceso a un conocimiento poco evidente, pero potencialmente crucial para nuestro devenir.

Mar de Estabilidad II (versión especial parcial) se extiende a través del suelo de la penúltima sala. Para Marlon de Azambuja, los grandes arquitectos y urbanistas han moldeado nuestra forma de pensar y habitar en el mundo. Concretamente, Mar de estabilidad II habla del modo en el que habitamos la ciudad, cómo experimentamos nuestro paso por ella y la posibilidad de introducir variaciones en un sistema de ideas prefijado. Contrariamente a la solidez y dureza que puedan sugerir los materiales, el espectador continúa su recorrido caminando sobre adoquines sueltos, a modo de metáfora de la frágil epidermis que recubre la superficie de nuestras ciudades.

La última sala de esta exposición es una inmersión en el registro visual que compone la obra Galerna, del artista y fotógrafo Jon Cazenave. Las imágenes negras y puras como incisiones sobre el material fotográfico hablan del encuentro de un hombre con su tierra, con su pasado y con su historia. Ama Lur, una pieza audiovisual de 13 minutos realizada junto a Marcos Carnero, descubre las cavernas prehistóricas marcadas por los gestos de los primeros habitantes de Europa. Esta obra aspira a penetrar en esta génesis de la historia, descubriendo un lugar íntimo a la experiencia humana. Sin embargo, aquí lo real no deja de ser mediado, en este caso, por la superficie fotográfica y por la pantalla. La dialéctica que recorre esta exposición permanece así como un interrogante abierto, que en última instancia sólo puede ser objeto de la reflexión del espectador.

Comisariado: Constanza Huerta de Soto y Antonio de Clemente

Artistas: Esther Gatón, Antonio Fernández Alvira, Jorge Isla, Ángela Jiménez Durán, Marlon de Azambuja y Jon Cazenave

Organiza: Ayuntamiento de Zaragoza

20 junio - 28 agosto 2022 · Espacio Antiguos Depósitos del Pignatelli (Ayuntamiento de Zaragoza).

Somos agua, una nueva colaboración entre la fotógrafa y la apneista japonesa Ai Futaki, enfrenta al espectador a los peligros del calentamiento global.

Durante más de cuatro décadas Isabel Muñoz ha recorrido el mundo explorando con su cámara las emociones y los sentimientos del ser humano. Y también sus contradicciones más oscuras y complejas, como en Somos agua, instalación en la que nos enfrenta a nuestra falta de compromiso ante uno de los principales desafíos que encaramos: el calentamiento global. Las agresiones al medio físico, la presión sobre las criaturas terrestres y el agotamiento de ciertos recursos, el agua entre otros, ponen en peligro la supervivencia de nuestra especie. Más de dos mil millones de personas viven sin agua potable y cada año fallecen en torno a un millón y medio de niños como consecuencia de esta carencia.

La artista catalana ha dedicado los últimos cinco años de su vida a sumergirse bajo las aguas de mares, océanos y entornos acuáticos para invitarnos a reflexionar sobre la generosidad de la naturaleza y el maltrato que recibe en respuesta. En esta ocasión lo hace junto a la apneista japonesa Ai Futaki y otros buceadores en los acuarios del Instituto Oceanográfico de Valencia, atraída por la diversidad de los organismos que los habitan: medusas, mantarrayas, tortugas, tiburones, algas y anémonas, caballitos de mar

Comisariado: Antonio de Clemente

Artista: Isabel Muñoz

Dirección técnica, diseño expositivo y montaje: Antonio de Clemente, Arte + Investigación Cultural SL

Organiza: PHotoESPAÑA 2022 y Ayuntamiento de Zaragoza

​11 octubre - 25 noviembre 2020 · Espacio Antiguos Depósitos del Pignatelli (Ayuntamiento de Zaragoza).

​"Con más de 2250 visitantes en su sede central, 135 participantes y más de 400 imágenes recibidas y expuestas, PRE_IMAGINARIOS2020 fue un primer encuentro capitaneado por jóvenes arquitectos de Zaragoza, para proponer un punto de inflexión en la reflexión sobre los operativos de acción de la arquitectura a raíz de este agitado año 2020..."

"...La muestra consiguió recoger y poner en relación una gran colección de documentos gráficos de proyectos de arquitectura de estudiantes de toda España y estudios profesionales tanto españoles como internacionales, como un gran IMAGINARIO colectivo para empezar a entender las posibilidades del futuro de nuestras ciudades.”

A través de esta muestra, nuestro propósito desde el primer momento siempre fue acercar al público, y en este caso a los ciudadanos de Zaragoza, las herramientas de comunicación propias del lenguaje arquitectónico y en este sentido el atractivo de los documentos gráficos que producimos día a día en nuestros proyectos, como base para un diálogo y un intercambio de posicionamientos a futuro: “Una prospectiva visual desde la arquitectura para imaginar la ciudad antes de que ocurra”. E igualmente nosotros, como arquitectos, entender las potencialidades de nuestro papel mediador en los nuevos frentes que la actualidad está planteando para saber también posicionarnos en esta amalgama de realidades cruzadas como intérpretes y diseñadores, absorbiendo lo que el contexto y nuestras relaciones puedan enseñarnos y procesando esta información a través del diseño y la arquitectura para proponer soluciones."

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Instalación multimedia
La instalación digital desarrollada para PRE_IMAGINARIOS2020 permitió centrar el protagonismo del montaje físico de la exposición en los propios visitantes, como constructores del gran pre_imaginario colectivo.
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Desde las instrucciones de usabilidad e interactividad de la App web colocadas en el acceso a la sala, planteamos que los visitantes pudieran compartir su propio imaginario personal a partir de la selección de las imágenes expuestas más afines al mismo. Escaneando con sus smartphones el código QR asociado a cada una de ellas, las imágenes pasaban a actualizar el gran pre_imaginario proyectado haciendo que aquellas seleccionadas aumentaran de tamaño con cada nuevo voto y manteniendo el mosaico colectivo vivo y cambiante hasta el cierre de la exposición.
 
Una representación en streaming de los imaginarios actuales sobre la ciudad post-2020.

Dirección ejecutiva: Antonio de Clemente
Dirección técnica: Jose Antonio Royo
Dirección creativa de la exposición: Manuel García-Lechuz, Clara Dobón
Dirección editorial: Isabel Sebastián, Felipe Sancho
Diseño gráfico: Diego Ibáñez
Edición de audio: Pablo Bayego
Equipo colaborador: Alejandro Díaz, Elisa Soriano, Elena Comeras

Organiza: Suigeneris
Promueve: Ayuntamiento de Zaragoza
Colabora: COAAragon / Escuela de Ingeniería y Arquitectura de la Universidad de Zaragoza / Berna Obras y Proyectos SL

1 diciembre - 31 diciembre 2022 · Espacio Antiguos Depósitos del Pignatelli (Ayuntamiento de Zaragoza)

Comisariada por la artista e hija del director, Betty Bigas, y la cineasta y guionista Vicky Calavia, el recorrido expositivo introduce al visitante en la esencia creativa de Jamón, jamón y en el trabajo realizado detrás de las cámaras. Para ello, presenta fotografías del célebre trío formado por Cruz, Bardem y Mollà y otros protagonistas de la película, como Juan Diego, Anna Galiena y la italiana Stefania Sandrelli, tomadas durante el rodaje y las pruebas de vestuario por el propio Bigas Luna; fragmentos audiovisuales de la película y de documentales posteriores sobre la misma. También pueden verse algunos de los borradores y guiones que realizó Bigas Luna y que muestran los primeros pasos en la creación del filme. Además, el visitante encontrará reproducciones de algunos de los objetos más recordados del metraje, como los jamones de la pelea final, parte del anuncio de carretera del toro de Osborne o el icónico vestido rojo que lleva Penélope Cruz.

Un homenaje y un recorrido inmersivo en una película convertida en mito y en una de las obras más célebres del polifacético Bigas Luna, fiel reflejo del interés del cineasta en explorar y experimentar con la imagen y sus simbologías.

Comisariado: Betty Bigas y Vicky Calavia

Dirección técnica, diseño expositivo y montaje: Antonio de Clemente e Inés Hornero, Arte + Investigación Cultural SL

Artistas: Bigas Luna

Organiza: Ayuntamiento de Zaragoza

3 septiembre- 10 octubre 2021 · Espacio Antiguos Depósitos del Pignatelli (Ayuntamiento de Zaragoza).

El trabajo de Javier Riera se basa en proyecciones de luz de forma geométrica, que realiza habitualmente sobre el paisaje, generando una intervención real sobre el espacio y el tiempo de la naturaleza cercana a las propuestas de Land Art. En esta ocasión su trabajo aproxima naturaleza y arquitectura, a partir del flujo poético de las imágenes, generando un diálogo entre la geometría proyectada y el espacio abovedado, que resuenan en esta intervención dando lugar a una particular sinergia entre ambos.

Artista: Javier Riera

Dirección técnica, diseño expositivo y montaje: Antonio de Clemente, Arte + Investigación Cultural SL

Organiza: PHotoESPAÑA 2021 y Ayuntamiento de Zaragoza

10 junio - 31 julio 2021 · Espacio Antiguos Depósitos del Pignatelli (Ayuntamiento de Zaragoza)..

Los caprichos, las pinturas negras, los desastres de la guerra, su visión de las mujeres o su pasión por la tauromaquia son constantes en viñetas, en referencias y en contextos. Su vida y obra ha dado lugar a historias plasmadas en formato cómic, unas rigurosas, otras divulgativas y muchas fantásticas, que se muestran en esta exposición, además de diversas recreaciones del prohombre, uno de los aragoneses más reconocidos y aclamados de nuestra historia.

La muestra incide, por un lado, en ese Goya pionero de géneros como el cómic, el humor gráfico o el fotoperiodismo y, por otro lado, en su certera y lúcida visión de la realidad social y su valiente y desgarradora denuncia activa, todo ello dividido en diferentes secciones: Retrato de Goya, España misteriosa, Pasiones goyescas, La guerra y Las Pinturas negras.

La captura del bandido "Maragato" por fray Pedro de Zaldivia de Goya (1806) ejerce la función de prólogo. Esta aleluya funciona como viñetas de un cómic en las que el famoso ladrón trata de robar los zapatos al fraile, pero éste forcejea, le arrebata el rifle, lo descerraja, le golpea con la culata y consigue apresarle. Las aleluyas serán el precedente del tebeo como cultura popular.

A continuación, se muestran retratos de Goya -personaje de cómic en sí mismo- muchos hechos de propio para esta exposición por diferentes autores. A pesar de los diferentes estilos de cada artista, todos reflejan la recia personalidad del de Fuendetodos. Su parecido físico con el famoso superhéroe de Marvel, Lobezno (Wolverine) es mucho más que una mera coincidencia.

La España misteriosa es la primera parada en este viaje por su retrato singular, incisivo, inmisericorde y mordaz de la realidad de una España conmocionada por la revolución de la vecina Francia. Como en un lujoso fanzine, la autoedición de las estampas grabadas al aguafuerte que componen sus caprichos, democratiza su arte y la eleva al rango de cultura popular.

Goya también retrató a reinas y sirvientas, aristócratas y burguesas, guerrilleras y labriegas, mozas y ancianas. Siempre desde la elegancia, el respeto y la admiración es un claro precedente del feminismo: la mujer adquiere protagonismo y respeto. Las mujeres de Javirroyo, Marta Alonso o Luis Royo se reconocen deudoras de las mujeres goyescas.

La gran pasión de Goya como la de Miguel Fuster o Luis Pineda, fueron los toros y su lidia, ya fueran festejos populares y novilladas (Los toros de Burdeos) o corridas profesionales (La tauromaquia).

No hay honor ni banderas en la muerte y en la destrucción de la guerra contra el francés (vampiros para Miguel Alfonso). La crueldad del ser humano en todo su esplendor. Ojo por ojo, la violencia se desata en el campo de batalla. Fernando Monzón y Enrique Mendoza incorporan muchos desastres de Goya en viñetas que beben también del manga japonés y de la línea clara de la bd francobelga.

Los muros de la Quinta del Sordo albergarán las pinturas más oscuras del alma de Goya. El resentimiento, la enfermedad y la tristeza se reflejan en el duelo a garrotazos de dos villanos o en el Saturno que devora a sus hijos recién nacidos por temor a ser destronado por ellos. Todo queda distorsionado: gestos, posturas, actitudes, luces, sombras, recovecos, manchas, rostros... en un intenso y emocionante clímax artístico que encumbra su genialidad.

Comisariado: Juan Royo Abenia

Dirección técnica, diseño expositivo y montaje: Antonio de Clemente, Arte + Investigación Cultural SL

Autores: Adrián Bago, Ángela Curro, ATA, Bernal, Calvo, Carlos Pacheco, Carmen Gómez, César Gómez Bernardino y Jordi Bayarri , Chema Cebolla, David Guirao, David Vela, David Maynar, Diego Olmos, Enrique Mendoza y Fernando Monzón, Enrique Vegas y José Arnau, Ester de la Piedra, Farruqo, Fidel Martínez, Forges, Fran Galán y El Torres, Javirroyo, JMV, José Antonio Ávila, Josema Carrasco y Ángel Guinda, Josep María Beá, Kalikatres, Luis Pineda, Luis Royo y Romulo Royo, AMIBIL (Mariano Ramos, José Antonio Morte, José Javier Ibáñez, José Luis Llorente Nuño, Manuel Ruiz y Yolanda Tello), Marta Alonso, Marta Martínez, Max, Miguel Fuster, Miguel Sánchez Alfonso, Miguelanxo Prado, Moratha, Pachi e Idígoras, Paco Nájera, Paul Gulacy, Pedro García Aznar, Raúl, Roberto Regalado y León Mirlas, Rodolfo Migliari, Rodrigo Zayas, Yves Willy Groux y Roger Melliès.

Organiza: Ayuntamiento de Zaragoza